Soy una canaria en Madrid, me licencié y doctoré en la Facultad que fue de Filosofía y Letras, hoy de Geografía e Historia, de la Universidad Complutense, y actualmente soy profesora de Arte Contemporáneo en la Facultad Ciencias de la Información. Aprovechando mi participación en el marco de las V Jornadas "Arte y Ciudad", quiero recordar al que fue director de mi tesis y mi maestro espiritual, D. Jesús Hernández Perera, y agradecer a su discípulo D. Carlos Pérez Reyes, el legado de sus conocimientos y en lo personal su saber hacer y estar. Impulsada además por un cierto romanticismo sobre mis raíces canarias, el objetivo de esta ponencia apunta a un reconocimiento de la labor de algunos de los mejores artistas canarios que residieron en Madrid, y cómo esta ciudad jugó un papel fundamental en su formación académica y en su desarrollo profesional.

Si en mis investigaciones previas se estudió la pintura de paisaje canario (natural y urbano),1 el enfoque ahora es Madrid como centro de oportunidad para aquellos artistas canarios que aquí se instalaron, de forma fija o esporádica, y una mirada sobre lo que aportaron. La mayoría estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y participó, o sigue participando, de forma activa en proyectos, en grupos o círculos artísticos madrileños; han exhibido su obra en importantes muestras y certámenes oficiales o en las galerías más punteras. En algunos casos generaron una iconografía urbana o contribuyeron con acciones en la calle o con esculturas públicas a la imagen actual del espacio madrileño. De la misma forma, ese bagaje cultural asimilado - traducido en nuevas y más abiertas perspectivas que las que ofrece la limitada geografía isleña – ha revertido en beneficios para Canarias por obra de aquellos que en algún momento volvieron o siguieron manteniendo el contacto con las islas. En este recorrido de un tema que sería a todas luces inabarcable aquí, es importante considerar el papel que jugará y sigue jugando la Casa Canarias, la Universidad Complutense y otras madrileñas, El Ateneo, las galerías y entidades ministeriales, entre otras. Además de la bibliografía consultada, y un material documental variado y disperso, es necesario valorar la aportación documental de proyectos digitales como Archivo Digital de Canarias, Museo Histórico de las Artes en Canarias.

Se parte en este primer capítulo de los artistas pioneros del XIX (Manuel Ángel Alloza Moreno, 1981) con Luis de la Cruz y Ríos a la cabeza, para pasar después a aquellos que estuvo2ron unos años en Madrid en la primera mitad del siglo XX: Néstor de la Torre, Nicolás Massieu y Matos, Tomás Gómez Bosch o Santiago Santana. Casi siempre venía3n becados por las diputaciones provinciales o ayuntamientos de la isla de origen. Madrid contaba con la Real Academia de San Fernando, y como capital de España la ciudad suponía un foco atractivo para los artistas isleños. Aquí estudian y participan en su mundo cultural y artístico; y, a su vez, van a brindar a Canarias lo que Madrid les había dado. Algunos pasan a ser docentes y a ocupar cargos en escuelas o en instituciones canarias.

Uno de los primeros y más importantes artistas del XIX fue Luis de la Cruz y Ríos (Puerto de la Cruz, Tenerife, 1776-1853). Sus biógrafos cuentan que en Madrid le llamaban el "Canario" y logró una fama que superó los fronteras locales como especialista en retrato, autorretrato y como miniaturista. Precisamente, llegó a Madrid en 1815 para trabajar en el retrato de rey Fernando VII,3 dentro del estilo de aparato de la época. Durante su estancia en Madrid se interesa por los grandes maestros del arte del pasado y conecta con los contemporáneos, primero con Goya y con Vicente López después. Centrando su aportación en el campo de la docencia, Luis de la Cruz, que reside desde 1837 en distintas capitales de Andalucía, cuando vivía en Málaga será profesor de Carlos de Haes (1826-1898). Este pintor belga amante de la naturaleza, desde 1857 se convertirá en catedrático de paisaje en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y pionero del paisajismo moderno.

Siguiendo la secuencia generacional, si Luis de la Cruz fue profesor de Carlos de Haes, de éste aprendieron Nicolás Alfaro y Valentín Sanz, nacidos ya en el siglo XIX. Estos ingresaron en la Escuela de San Fernando de Madrid y aprendieron junto a su maestro a vivir y a pintar la naturaleza en su plenitud, al aire libre. Ese aprendizaje marcó un estilo del realismo paisajista que estos canarios llevar4on a su vez a los lugares en donde luego se instalaron.

Valentín Sanz Carta (Santa Cruz de Tenerife, 1849 – Nueva York 1898) recibió su primera formación en la Academia Provincial de Bellas Artes de su ciudad natal, y por la Diputación Provincial es pensionado en 1875 para perfeccionar sus estudios en la entonces llamada Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid. Cuatro años después, en 1879, la diputación que le otorgó la beca recibe como prueba un cuadro sobre Madrid titulado Riberas del Manzanares (Museo Municipal de Santa Cruz de Tenerife). La pintura, realizada bajo la influencia de Carlos de Haes, sigue la estela y el estilo realista del maestro que tantas veces pintó estos mismos escenarios madrileños.4 Pero, sin embargo, como otros canarios de su generación formados en un estilo romántico, durante su primera etapa manifestó una especial preferencia por los paisajes regionales de Canarias. Un mejor dominio de los valores de la pintura al aire libre, de la luz y del color, se deriva precisamente del realismo aprendido de Haes. Y, aunque el paisaje fue su especialidad, Valentín Sanz cultivó además el retrato, género que aprendió así mismo en Madrid siendo discípulo de Federico Madrazo (1815-1894). Lo que Madrid le ofreció fue una formación y una profesionalidad que llevó más allá del Atlántico, pues desarrolló una importante labor docente en la Cátedra de Paisaje de la Academia de Bellas Artes de San Alejandro dependiente de la Universidad de La Habana, que ganó por oposición en el año 1886. Puede decirse que tuvo su apogeo en la etapa cubana, desde 1882 hasta su muerte.

Nicolás Alfaro Brieva (Santa Cruz de Tenerife, 1826 - Barcelona, 1905), como su amigo Valentín Sanz destacó sobre todo en la pintura de paisaje y el retrato, y en su caso además en la pintura de género. La formación de ambos sigue un recorrido paralelo, pues en 1857 realizó un viaje a la Península, estudió paisaje en la Academia de Bellas Artes de San Fernando con Jenaro Pérez Villaamil (1807-1854) y con Carlos de Haes después. Como sucedió con Valentín Sanz, en Alfaro ese aprendizaje le dirige desde una visión romántica de la naturaleza al paisajismo realista. Terminados sus estudios, obtiene en la Academia de San Fernando el título de Profesor de dibujo, modelado y vaciado, por lo que a partir del año siguiente es nombrado Profesor de dibujo y ornato de la Escuela5 de la Academia Canaria de Bellas Artes, siendo posteriormente elegido Académico de Número de la RACBA (Real Academia Canaria de Bellas Artes). Al considerar su aportaciones, Alfaro fue uno de los académicos que más se implicó en la corporación canaria (RACBA), como profesor y como miembro de la directiva (vicesecretario, tesorero). Después de haber estudiado en la Academia de Madrid, estaba convencido de la necesidad de un proyecto de esa envergadura, por lo que tuvo un alto nivel participativo en la institución hasta su clausura en 1869.6 Fue nombrado a su vez Académico Correspondiente de la Academia de San Fernando en 1866, y en Madrid concurrió a exposiciones y obtuvo varias medallas y menciones honoríficas.

Quien viajó a Madrid para estudiar Farmacia fue Eduardo Rodríguez Núñez (Santa Cruz de Tenerife 1857-1899). Dotado también para el dibujo, tras sus visitas al Museo del Prado (Museo de la Trinidad) y convencido por su amigo Valentín Sanz, quiso completar su educación inscribiéndose en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado. Estudió composición de figuras con Carlos Luis de Rivera y paisaje con Carlos Haes. Por tanto en ese periodo de 1870 y 1880 de estancia en Madrid, no solo arraigan los estudios de botánica sino emerge el interés por el dibujo y la pintura y una especial predilección por el género del paisaje aprendido de Haes. Tal fue su entusiasmo por la botánica que se hizo socio del Ateneo de Madrid con el fin de entablar relaciones con personajes de la ciencia y oír sus consejos y conferencias. Rodríguez Núñez consideró la utilidad del dibujo y del colorido para ser aplicado a plantas, flores y frutos. Como botánico y como dibujante quiso servir al país, regresó a Tenerife para dedicarse al estudio de la flora de las distintas regiones de la isla: desde Anaga a la Orotava.

Aunque su estancia en Madrid fue bastante circunstancial, es inevitable nombrar a Néstor de la Torre, Gómez Boch, Nicolás Massieu y Santiago Santana. El estilo de los tres primeros se verá marcado en sus comienzos por la figura del marinista y paisajista catalán Eliseo Meifrén Roig (1859-1940), que estuvo en Las Palmas un corto periodo de tiempo en el último año del siglo XIX (Arroyo, 1987: 38-43), mientras que fijó un estilo de paisajismo realista e impresionista en Las Palmas. Pero mientras Bosch o Massieu se convirtieron en especialistas del género de paisaje, tanto Néstor como Santana dejaron la impronta de algunos lugares emblemáticos del antiguo Madrid en algunos óleos y dibujos que realizaron en las primeras décadas del siglo.

Néstor Martín Fernández de la Torre (Las Palmas de Gran Canaria, 1887 - 1938) había recibido en 1899 en Las Palmas las primeras orientaciones artísticas del maestro Eliseo Meifrén. Aunque su importancia y proyección trasciende no sólo el ámbito isleño y nacional sino la propia actividad plástica,9 no debe olvidarse su corta estancia en Madrid entre 1902 y 1904 para ampliar su formación. Recibe una pensión del Ayuntamiento de Las Palmas para estudiar en la Escuela de Bellas Artes y entra en el taller del artista andaluz, pintor y restaurador Rafael Hidalgo de Caviades (1864-1950).

En la actividad desarrollada en Madrid destacan sus primeras copias en el Museo del Prado, además de dibujos y pequeños cuadros de vistas madrileñas, perspectivas de la Calle Mayor, como el óleo fechado en 1904 y reproducido en el libro catálogo del I Centenario del Nacimiento de Néstor (Almeida, 1987: 132), además de la web del Museo Néstor de Las Palmas en donde se conserva. De esos primeros años son también varios dibujos y óleos de azoteas y otras vistas de Madrid reproducidos en el mismo libro (Almeida, 1987: 260-261). Pero, al margen de plasmar una impronta de las calles de Madrid en sus cuadros y dibujos iniciales, participó en la actividad expositiva de la ciudad, en los eventos y convocatorias artísticas. En 1903 obtiene una Mención de Honor con Adagio en la exposición del Círculo de Bellas Artes celebrada en el Palacio de Cristal y en 1914 realiza la primera individual en Lissarraga Sobrinos (c/ Mayor, 16); triunfa en Madrid al exponer en el Palacio de Bibliotecas y Museos Nacionales el Poema del Atlántico. Su última individual en la capital será en el Hotel Ritz, trasladándose a Canarias en 1934 desde su residencia entonces de París.

Procedente de un ambiente familiar aficionado a las tertulias culturales, música clásica, teatro, ópera y demás artes escénicas, uno de los productos del arte de Néstor fue la escenografía de la Verbena de la Paloma, obra de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón, estrenada en 1937 en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas. El artista no solamente diseñó la escenografía, sino que él mismo ayudado por su discípulo Sergio Calvo pintó las maquetas y telones en papel. Néstor pidió al público que trajera mantones de Manila para colgarlos desde los palco10s; todo el teatro tomó el ambiente madrileño de una corrala. Estos decorados han sido reutilizados en los años setenta, aunque hoy los originales ya se guardan en un baúl en el Museo Néstor (www.madridteatro.net ).

Aunque el primer deseo había sido estudiar en París, será esencial en su vida la formación de Tomás Gómez Bosch (Las Palmas de G.C, 1885-1975) en Madrid, a donde llegó animado por su madre en 1904; una estancia que duró dos años. El estudio del valenciano José Garnelo y Alda (1866-1944) fue el primer lugar donde ingressó,11 pero el estilo del maestro, típico de los pintores decoradores, no le complacía y enseguida empezó a visitar el Museo del Prado a diario para copiar a los grandes maestros, especialmente Velázquez, de quien confessed12 siempre ser gran admirador. Es condiscípulo de José Gutiérrez Solana (1886-1945), y hace muchas amistades y contactos. Mientras la estancia en Las Palmas de Eliseo Meifrén, hizo posible que Gómez Bosch reflejase en sus primeros cuadros la admiración por el paisaje del pintor catalán, cuando ya se encontraba en Madrid, pese a haberse integrado en el ambiente artístico, no parecía sentirse muy seguro en el territorio de la pintura. Fue una exposición de su admirado Meifrén el detonante de la decisión de abandonar el arte como forma de vida10 y volver a Las Palmas en 1906 para dedicarse a otras actividades como la dirección de una fábrica de chocolate y la fotografía. Sin embargo mantuvo la relación con Madrid exponiendo su obra periódicamente, sobre todo en la etapa siguiente de la posguerra, años cuarenta, en galerías o en instituciones públicas como la muestra en la sala Dardo.

Si efímera fue la estancia de Néstor y Gómez Bosch en Madrid, también lo fue la de Nicolás Massieu y Matos "Colacho Massieu" (La Angostura, Santa Brígida, Gran Canaria, 1876–Las Palmas, 1953). En el periodo de aprendizaje en la Escuela de San Fernando, entre 1908 y 1913, visita y aprende de los maestros del Museo Prado y acudir13 a distintas muestras y certámenes de la capital. Cabe citar la Exposición Nacional de Bellas Artes e Industrias Artísticas en 1908, en donde obtiene una Mención de Honor, y su participación en la siguiente convocatoria de 1910. Posteriormente, y ya desde Las Palmas, es seleccionado para participar en la Exposición Colectiva que se realiza en el Museo de Arte Moderno de Madrid en 1945 titulada Artistas de la provincia de Las Palmas. Presentó en esa ocasión una Marina, aunque sus temas preferidos serán los campos, cumbres y medianía de Gran Canaria, por lo que a su nombre acompaña siempre el ser el Pintor de Gran Canaria. El impulso que le llevó a cultivar el género del paisaje le vino de Eliseo Meifrén, al igual que a Néstor y a Gómez Bosh, y comoéste último se interesó además por el retrato. Pero en Las Palmas las primeras enseñanzas las había recibido de su tío Nicolás Massieu y Falcón (Las Palmas de Gran Canaria, 1853–1934), que ejercía en el Colegio de San Agustín y en la Academia Municipal de Dibujo de la capital Gran Canaria, de la que fue director y profesor de futuros artistas. Massieu y Falcón a su vez había ampliado sus propios estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y en la Academia Española de Roma bajo el magisterio de Casado del Alisal. De regreso a la isla a finales de la década de 1880 combinó sus preocupaciones políticas con la labor docente sobre la creación pictórica.

Santiago Santana Díaz (Arucas, Gran Canaria, 1909 – Las Palmas de Gran Canaria, 1995), que estudió en la Escuela Luján Pérez pasó a ser profesor y después el tercer director de dicho centro. Permanece fuera de la isla en la década de los treinta; primero, en 1932 es pensionado por el Cabildo Insular de Gran Canaria y los Ayuntamientos de Arucas y Moya y marcha a cursar estudios a París y Barcelona. En su estancia en Madrid entre 1934 y 1939, expone y se relaciona con la intelectualidad madrileña: en 1934 en el Ateneo,11 en 1935 participa en el Salón de Otoño y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. El 18 de julio de 1936 iba a trabajar en unos decorados cinematográficos por encargo del director Claudio de la Torre (1895-1973), pero el proyecto se trunca como consecuencia de la guerra. Santiago Santana igual que Néstor, también es artista, ilustrador, decorador. Claudio de la Torre, junto a su hermana Josefina de la Torre (1907-2002), fueron otros canarios instalados en Madrid. La figura de esta última, poetisa y actriz ocasional, fue evocada desde las distintas facetas que cultivó en la celebración12 del centenario de su nacimiento (AAVV, 2007).

Entre las imágenes que dejó Santiago Santana en su encuentro con la ciudad, se encuentran los dibujos sobre el viejo Madrid (Plaza de la Villa, Viaducto…) que expuso en el Palacio del Marqués de Linares en 1938. Esos apuntes figuraron después en la Exposición de dibujos del Viejo Madrid por Santiago Santana, en el Aula de Cultura del Excmo. Cabildo Insular de Tenerife, 1968. El catálogo de esta exposición lleva un texto introductorio de Jesús Hernández Perera y un escrito anterior, contemporáneo a los dibujos de Santana, de Pedro de Répide. En los Apuntes madrileños de Santiago Santana Hernández Perera habla de unos dibujos que evocan una ciudad que cambia: "Muchas de estas estampas, desaparecidas, si no la luz, si muchas de las gentes y encrucijadas que la avalancha urbanística de hoy ha barrido para siempre, tienen además el encanto romántico, la nostalgia serena, el testimonio de un Madrid que todavía brilla en nuestra retina pero es, ya, irremisible recuerdo" (Hernández Perera, 1968). Pedro de Répide en Nueva visión y versión de Madrid (1968) se refería así: Cuando Santiago Santana llegó a Madrid fue la entraña de la villa vieja lo que le atrajo y cautivó….

Con estas vistas de Madrid Santiago Santana aportó una iconografía de la ciudad y el perfil que revelaba en los años treinta. Estos dibujos pasaron a ilustrar en 1984 su libro Estampas galdosianas. Desde los años cuarenta en que el artista ya se encuentra de nuevo en Las Palmas, va a llevar una labor muy importante como pintor, decorador de arquitectura, director de la Escuela Luján y más tarde Asesor Artístico del Cabildo Insular de Gran Canaria en 1957, cargo del que se jubilará en 1983.

Si en la primera mitad del XX, salvo alguna excepción, la mayoría de los artistas canarios permanecen solo temporalmente en Madrid, será desde la posguerra, años cuarenta y sobre todo cincuenta, cuando muchos se instalen y se integren activamente en la dinámica artística de la capital. Tal participación se acrecienta y se ve acelerada por el continuo trasiego de Canarias a Madrid debido a un mejor transporte y más favorables condiciones económicas que concede mejores oportunidades para los artistas. Uns14os fundan o se integran en una escuela determinada; otros con su magisterio y protagonismo participan en la renovación cultural y artística madrileña. Siempre interactuando con los artistas locales o residentes en la capital, como es el caso de Pancho Lasso en la Escuela de Vallecas, Juan Guillermo en la Escuela de Madrid, Martín Chirino y Manolo Millares en el Paso, o Juan Hidalgo y el grupo Zaj. En definitiva, están implicados y comprometidos con la ciudad que les ha acogido. Y, Asimismo, algunas veces incluso ofrecen un punto de vista local isleño que se acompasa con las tendencias renovadoras.

José Aguiar García (Vueltas de Santa Clara, Cuba, 1895 – Madrid, 1976)13 se fue creando un buen nombre desde que llegó a Madrid en 1914, primero para estudiar Derecho, carrera que abandonó para ingresar en 1916 en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, siendo discípulo de José Pinazo Martínez (1879-1938). Si sus estancias iniciales fueron más o menos esporádicas, Madrid se convirtió en su lugar de residencia desde 1924, estableciendo su estudio en Pozuelo de Alarcón (Madrid) en 1947. Participó en el ambiente artístico de la capital, se presentó a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y a otros certámenes y recibe máximos regalos.15 Su primera exposición en Madrid se celebró en el Museo de Arte Moderno en 1935, la última en 1973. Como becario de la Fundación Juan March realizó su obra más conocida, Los Ángeles y los Monstruos.14 Pero, fue tras la Guerra Civil cuando tuvo una máxima actividad, escribe, pinta, participa dinámicamente en la vida artística madrileña y recibe abundantes encarga16s; es elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y miembro de la Hispanic Society of America.

Aguiar triunfa en Madrid, destaca como muralista y en el uso de la encáustica,16 método con el que realizó múltiples ensayos. Sus primeras pinturas indagaban en la identidad regional-nacional, tipos populares, desnudos, mujeres, y después pasó a una narrativa más grandilocuente, religiosa y alegórica. Unas palabras de Camón Aznar a propósito de la pintura de José Aguiar definen no sólo el talante del trabajo del artista sino también su condición humana: Por fin -dice Camón- encontramos un pintor en el cual la preocupación esencial es el hombre (Santana, 1976). Ofreció sobre todo su magisterio, muchos canarios aprendieron de él, de su entusiasmo pero sobre todo fue ejemplo de trabajo y éxito. El Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid celebró en 1973 una Antológica cuyo catálogo lo firmaban, entre otros, José Camón Aznar, Enrique Lafuente Ferrari, José de Castro-Arines (AAVV, 1973).

El anhelo de José Gregorio Toledo Pérez (Villa de Mazo, San Miguel de La Palma, 1906 - Madrid, 1980) era dedicarse a la pintura, visto lo cual sus padres decidieron enviarlo a estudiar a la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Corría el año 1924 cuando Gregorio Toledo se afinó definitivamente en esta ciudad. Era un muchacho tímido, respetuoso, ordenado, silencioso, observador… La tinerfeña doña Lola Martínez lo acogió en su pensión de la Calle Moratín, como a tantos canarios. Con sus primeros amigos recorre Madrid. Unos compañeros de estudios con los que comparte muchas ilusiones y proyectos. Solicita una beca al Cabildo de La Palma y le es concedida. Para obtenerla había enviado una copia del cuadro de Rubens La Sagrada Familia para que su quehacer artístico fuera valorado. También su maestro, el Académico Manuel Benedito, había dicho de la obra que "la ha hallado digna de alabanza por su fiel interpretación, tanto en el dibujo, como en la justeza del color" (José Guillermo Rodríguez, 2007). En Madrid se va dando a conocer gracias a los retratos que hace a familias, amigos, como bien refleja el Retrato de Lorca (1932).17

Además de su propia obra pictórica, el protagonismo de Gregorio Toledo en Madrid fue ante todo docente, desde que en 1954 obtuviera la cátedra de "Colorido y Composición" en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Este cargo lo desempeñó hasta su jubilación en 1976.

Pancho Lasso Morales (Lanzarote 1904-Madrid 1973), después de estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Arrecife, en 1926 el Cabildo de Lanzarote le concede una beca para ampliar estudios en Madrid, Se matricula en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando como alumno libre, en la Escuela de Artes y Oficios y asiste al taller del imaginero Ángel Garzón. Su etapa de formación se amplía con frecuentes visitas al Museo del Prado, al Arqueológico y al de Reproducciones Artísticas, en fin a los recursos que ofrecía la gran ciudad frente a las entonces reducidas propuestas lanzaroteñas. Contacta con la bohemia artística, frequenta la tertulia del Café de Oriente y entabla amistad con Alberto Sánchez vinculándose a su plástica surrealista (Paloma Esteban; Mercedes Marfagón 2007: 128). Participa desde entonces en el proyecto de una nueva visión del paisaje y de la naturaleza impulsado junto a Benjamín Palencia. Elena Morales habla de él como El escultor a la sombra de sus contemporáneos, pero sin embargo aportó durante su prolongada estancia en Madrid un prestigio como escultor y como creador de una obra vanguardista18 y personal que pasó de un neocubismo a un organicismo de formas híbridas y vegetales propias de la Escuela de Vallecas. Pero además narra Elena Morales a través de la recopilación de las memorias e impresiones de la vida en Madrid de Pancho Lasso, que estuvo también llena de dificultades, pues al terminarse la beca en 1928

Regresa a Lanzarote en 1939, desengañado pero con una determinada visión del arte asimilada durante su estancia en Madrid. Sobre el papel de Lasso en relación con las vanguardias madrileñas de ha ocupado Violeta Izquierdo (2000). Pero ante todo aprende la importancia de la función social del artista; por tanto su obra, entre la que se encuentran múltiples dibujos, se desarrolla entre la vanguardia y supuestos de realismo social. Cuando regresó a Madrid en 1946 y trató de retomar su trabajo, enriquecido en su estancia en Lanzarote y el contacto con César Manrique, el ambiente intelectual madrileño ya no era el mismo.

Juan Guillermo Rodríguez Báez (Las Palmas de Gran Canaria, Gran Canaria, 1916 - Madrid, 1968) dijo de Madrid, donde residió desde 1940 hasta su muerte: …Amo esta radiante ciudad como nunca llegué a amar a ninguna población, palabras que reflejan el vínculo con Madrid y su adaptación a la ciudad. Primero vence el escepticismo paterno ante su decisión de dedicarse a la pintura y luego se traslad19a Madrid, donde inicialmente recibe la influencia del pintor José Aguiar y tres años después presenta su primera individual. Su amistad con Agustín Redondela (1922) le lleva a partir de 1950 a participar en la llamada Escuela de Madrid y a tomar parte en sus colectivas. Colabora intensamente en las tertulias y en la vida artística de Madrid y entre otras19 en 1953 en el Homenaje a Vázquez Díaz, siendo su última exposición individual en el Ateneo de Madrid en 1965. Estilísticamente, Juan Guillermo fue, en su primera época, un cultivador del lenguaje impresionista, pues de niño vivió en París20 y allí estudió, visitó los estudios de Pancho Cossío y Francisco Bores. Por tanto sus primeros dibujos y pinturas son vistas urbanas tomadas en ligeros apuntes, dibujos preparatorios para el cuadro final. Son ejemplos de Madrid Plaza de Oriente y alrededores, Plaza de la Marina, o San Antonio de la Florida (Madrid, 1951), que realizó durante los primeros años de su estancia en Madrid a primeros de los 50. (Nuez Santana, 1982: 52-63). Pero su pintura se va ordenando, va perdiendo ligereza y espontaneidad y según Carlos Areán sus colores eran muy vivos y parisinos y en su manera de compartimentar el espacio había a menudo ecos del constructivismo cerebral de Torres García21, palabras referenciadas en "El pintor ante la crítica" (Santana, 1977: 68).

Y es que se manifestará después la tendencia constructiva, que alternará con una visión más expresiva y Asimismo un denso empaste de pintura. Nocturno en la Estación de Villalba figuraba en el n.19 del catálogo de la muestra de la Dirección General de Bellas Artes, 1956, junto con otras dos obras,22 como así declaró el artista en entrevista radiofónica a Campoy (Nuez, 1982: 124-126), y con el nº V en el catálogo de la muestra individual del Ateneo en 1957. Este estilo constructivo imperante a finales de los cincuenta, que inspiró también a Manolo Millares, se manifiesta en imágenes urbanas, bodegones y objetos como lo había hecho el fundador de esta tendencia, Joaquín Torres-García. El ángulo, la recta y el círculo, los planos, todo eso que en muchos pintores es tan sólo muerte con la rigidez de la geometría, se nos hace vida en la pintura del joven y gran pintor canario (Morales, 1957). El cuadro Leyenda de San Isidro (1967) puede servir de resumen a su legado y aportación a la Escuela de Madrid. Juan Guillermo ha sabido aunar la huella del Impresionismo inicial, las enseñanzas de José Aguiar, el constructivismo de Torres-García y el expresionismo denso y matérico de Gutiérrez Solana; e incluso en algún momentos se acerca al surrealismo de la escuela vallecana con sus espantapájaros.

Canarias, en la década de los cincuenta se había visto favorecida por el auge económico y un afán de apertura cultural que propicia la creación de grupos artísticos renovadores como LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneo) en Las Palmas y el papel jugado por el crítico de arte y coleccionista Eduardo Westerdahl. Los que viajan ahora poseen ya una madurez y una trayectoria digna, que unida a la experiencia de otros artistas que residen en Madrid va a servir de reactivo para la formación de El Paso. Cofundador Manolo Millares e incorporado Martín Chirino después, los dos participan en las actividades de este grupo, cuya génesis, cronología, documentos y pormenores están desarrollados en la monografía de Laurence Toussaint (1983). Ambos aportaron a El Paso raíces canarias, una iconografía aborigen que aceptó el lenguaje abstracto, informalista, violento y dramático ejercido por la mayoría de los miembros del grupo.

Al contrario que los indigenistas de la Escuela Luján, el interés por el mundo isleño de Manolo Millares (Las Palmas de G.C. 1926-1972) no se encontraba en la geografía, los tipos e iconografía cotidiana canaria sino en los restos de cultura guanche, pues ya desde los inicios de su carrera copiaba vasijas y se interesaba por las momias aborígenes del Museo Canario.23

En 1955 se vino a Madrid, empieza a investigar, se decanta por el material de Arpillera y realiza un conjunto que expone en 1957 en la Sala del Prado del Ateneo de Madrid. Es el mismo año de la creación de El Paso, en el que Millares ocupa un papel decisivo, además de compartir con el resto del grupo el interés por los materiales no nobles e igual sobriedad cromática.

Los Homúnculos aparecen después, desde 1959 y, sin abandonar el concepto abstracto paulatinamente empiezan a aparecer partes corporales, restos de formas humanas, como se aprecia en el Cuadro 173 (1962) propiedad del Museo Reina Sofía, técnica mixta/arpillera, 130x163. Se dice que sus textos son la mejor lectura de su obra, una pintura para la denuncia de un Millares fallecido con 48 años, cuando estaba pletórico y abierto a la experimentación, valorado por la crítica, museos y mercado del arte.

Martín Chirino (Las Palmas de G.C., 1925) entró a formar parte de El Paso en un segundo momento de ese mismo año 1957. Ligado a la actividad artística madrileña, a donde viajó por primera vez en 1948 para matricularse en la Facultad de Filosofía y Letras, poco después ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando finalizando en 1952 sus estudios de Bellas Artes con el título de profesor.24 Se establece definitivamente en Madrid en 1955 con M. Millares y Elvireta Escobio,25 conoce a Ángel Ferrant y frequenta las galerías Clan y Buchholz, que eran entonces algunos de los principales lugares de la capital para el encuentro con el arte moderno.

La pieza en hierro forjado Carro. Poética del puente y del río (1957) que se encuentra en el Museo Reina Sofía es ejemplo del paso hacia la vanguardia informalista desde sus primeras Reinas Negras. El Carro forma parte de un conjunto,26 Composiciones y Herramientas poéticas e inútiles, que evoca útiles de labranza y que se expuso en 1958 en la que fue su primera exposición individual en Madrid en El Ateneo. En esas piezas sigue la herencia de Julio González en la construcción lineal y evoca el arte aborigen. Su texto "La reja y el arado", en el que precisa las particularidades de su propia obra, fue publicado en el en el número extraordinario dedicado al grupo El Paso, en la revista Papeles de Son Armadans, nº 37, Abril de 1959.

Además de su propia obra como continuador de la tradición de la forja iniciada por Julio González y Pablo Gargallo, Chirino como director del Círculo Bellas Artes desde 1982, rescató para todos los públicos una institución privada. Aportó una gestión moderna y abierta de un espacio cultural y puso como objetivo el aprovechamiento de talleres, espacios expositivos, celebraciones y eventos varios, como así declaró en el acto-fiesta que llamó "regeneración" (María Dolores Arroyo, 1985: 39). No se presentó a la reelección, para centrarse en la dirección del Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas (CAAM) y en su trabajo artístico. Chirino abrió su taller en San Sebastián de los Reyes (Madrid), obra de Antonio Fernández Alba, y hoy da nombre a un espacio expositivo del Centro Cultural Pablo Iglesias - Sala Martín Chirino - San Sebastián de los Reyes. En 1980 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas por toda su obra y cinco años más tarde le fue concedida la Medalla de Oro de Bellas Artes.

Estos tres artistas originarios de distintas islas: Tenerife, Gran Canaria, Lanzarote, estudian en Madrid y su legado plástico se extiende desde la pintura figurativa o abstracta, la arquitectura, las acciones y música; ejemplos que muestran la capacidad creativa, de adaptación e investigación a los nuevos lenguajes artísticos, acordes al sentir de la tierra, con un mayor o menor arraigo.

Cristino de Vera27 (Santa Cruz de Tenerife, 1931). Marcha a Madrid en 1951 y empieza a estudiar arte en el taller28 de Daniel Vázquez Díaz por consejo de Mariano de Cossío con el que había permanecido nueve meses en la Escuela de Artes y Oficios. Del primero dijo el artista: Vázquez Díaz es un gran maestro. Pero seguir su camino es llegar a Cézanne. Cézanne es uno de los pintores más importantes, pero ahora es otra cosa. Yo soy de este momento, no quiero salirme de él. Y he adaptado las enseñanzas de Don Daniel a mi modo de concebir, (J. de la Puente, 1973: 34). Al mismo tiempo asiste a clases en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Visitó el Museo del Prado, el Casón del Buen Retiro y el Círculo de Bellas Artes de Madrid, lugares de cita casi obligatoria para aprender y compartir experiencias con otros artistas. Participó en el ambiente expositivo madrileño en los años cincuenta y sesenta: sala Alfil, Ateneo, sala Prisma, sala de la Dirección General de Bellas Artes29, galerías Biosca y Theo; y en colectivas de artistas canarios. En cuanto a su obra, Cristino de Vera no pintó Madrid, pero sí los campos castellanos, sus rocas, su luz y soledad, las tierras de Toledo. Su obra singular, derivada del puntillismo, quieta, mística, es única dentro del panorama general de la pintura de la época.

César Manrique (Lanzarote, 1919- 1992), antes incluso que El Paso, ya desde 1953 había aportado a Madrid una particular abstracción. En 1954, contribuye en la apertura de la galería Fernando Fe, una de las primeras que presentaban obra no figurativa de España. Gracias a una beca concedida por la Capitanía General de Canarias, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando30 donde se graduó como profesor en 1950. Aunque su estancia no fue definitiva en la capital, contribuyó al perfil de la ciudad realizando varios murales en los años cincuenta en el Hotel Castellana Hilton, Hotel Fénix, entre otros. Y de sus exposiciones cabe citar la primera de pintura abstracta en la sala Clan en 1954, en El Ateneo en 1958, etc. En 196631 se instaló definitivamente en Lanzarote, en donde comenzaba a desarrollarse el sector turístico. Llevó entonces a cabo una intensa labor como creador y diseñador de espacios que integraba en el entorno natural, participando también en proyectos en otras islas de Canarias y lugares de España, como el Centro Comercial La Vaguada en Madrid, inaugurado en 1983. En esta obra Manrique superó la fuerte polémica del espacio de la vaguada en que los ciudadanos reivindicaban un parque. Lo resolvió de forma que se compaginaran ambos: espacios verdes y centro comercial. Su pintura abstracta y su trabajo en ambientes naturales han ido siempre de la mano: La pintura de Manrique es así el congruente antecedente de su ecologismo (…) Su abstracción incluye (…) una fuerte sugestión a la pesquisa y captura de un recóndito tesoro: su promesa metafórica de felicidad (Hernández Perera, 1978: 52).

Si Manrique llevó el arte a la ecología, Juan Hidalgo (Las Palmas de Gran Canaria, 1927) fusionó el arte y la vida en proyectos ante todo urbanos, con la experiencia musical como base. Hidalgo estudió piano y composición, siendo en 1956 al conocer en Milán a Walter Marchetti cuando empezó a trabajar en la composición de música concreta y en la realización de distintas acciones. Pasado este periodo pre-Zaj de investigación musical, en 1964, junto con Marchetti y Esther Ferrer, funda el grupo ZAJ. Una exposición de este grupo se organizó en Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, comisariada por José Antonio Sarmiento cuyo catálogo (AAVV, 1996) recoge una densa documentación de trabajos del grupo entre los que se hallan las acciones urbanas realizadas en Madrid.

La mayor incidencia de Zaj fue hasta finales de los setenta, y aunque Juan Hidalgo pasó mucho tiempo en el extranjero, en Madrid llevó a cabo unas acciones memorables de las que se da amplia referencia documental en su website (http://www.juanhidalgo.com/). Acciones y conciertos se van sucediendo en los años sesenta y parte de los setenta, el primer acto Zaj tuvo lugar en 1964, Zaj invita a vd., Primer Traslado ZAJ32 por las calles y plazas de Madrid, con Walter Marchetti y Ramón Barce. Si el arte es reflejo de la sociedad, el contenido de esta acción es el absurdo, un acto sin sentido, pues el cortejo simulaba una cabalgata o procesión que portaba una especie de tesoro conceptual. En ese mismo año 1964 se realiza el Primer Concierto ZAJ, de nuevo con Walter Marchetti y Ramón Barce, en el Colegio Mayor Menéndez y Pelayo de la Ciudad Universitaria. En 1965 el Primer Festival ZAJ, con cinco33 conciertos en Madrid. Los espacios universitarios (Paraninfo de la Complutente, colegios mayores Menéndez Pelayo, Espíritu Santo), galerías (Sala Amadís, Buades), centros públicos (Palacio de Cristal del Retiro), Instituto Alemán, o en la misma calle de Madrid, fueron los escenarios principales de las acciones y conciertos Zaj. Cabe destacar la participación en el Festival de Libre Expresión Sonora de la Universidad Complutense de Madrid en 1980.

Hidalgo es un artista multimedia, un tipo de trabajo que tiene mucho que ver con la vida: hay que practicar el arte como vida, dice el propio artista y, después, la vida como arte, como explica Inmaculada Aguilar (1997) autora de uno de los textos del catálogo de la exposición Antológica en el CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno) de Las Palmas en la que han colaborar34on el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ministerio de Cultura. (AAVV, 1997). Su actividad ha ido pareja a sus viajes, vivencia35s, pensamientos, emociones y anhelos, sin embargo Juan Hidalgo no realizó ninguna muestra personal hasta 1989 en la madrileño Galería Estampa. Después de Zaj sus aportaciones e intervenciones individuales han seguido siendo singulares y con gran dominio del afán experimental y de sorpresa; sobre la amplitud de sus trabajos posteriores a Zaj el Museo Reina Sofía conserva algunas piezas e instalaciones. Esta es la aportación de un conceptual, creador junto a otros de una manera de vivir la ciudad, que es esencialmente el ámbito de su creatividad.

Capítulo aparte merece la contribución de algunos canarios pertenecientes a dos generaciones (Martín Chirino, Tony Gallardo por un lado y Juan Bordes, Luis Arencibia por otro) a la escultura en Madrid en relación con el entorno urbano. Más concretamente la creación del Museo de Escultura de Leganés en 198436 por iniciativa del director del Área Artística del Ayuntamiento de Leganés Luis Arencibia Betancort 37 (Telde, Las Palmas de Gran Canaria, 1946). Pero ¿cuál es la participación de los canarios en la creación del museo?: Luis Arencibia como responsable público del Ayuntamiento, director del museo y escultor él mismo; Tony Gallardo se comprometió en sus inicios y donó generosamente su obra, de Juan Bordes se adquirieron varias esculturas y de Chirino o se compraron o fueran aportadas en depósito.

Luis Arencibia Betancort es además escritor de cuentos y ha publicado libros sobre la historia y el arte en Leganés, ciudad que le nombró Hijo Adoptivo en 1.997. Entre las piezas que figur38an en el Museo Leganés se encuentra Monumento a Sabatini (1997) en la Avda. Universidad, y otras obras en Leganés que están referenciadas en la web del museo (museoesculturaleganes.org) y en la de escultura urbana (esculturaurbana.com).36

Junto a Tony Gallardo (Las Palmas de Gran Canaria, 1929 – 1996), al proyecto del museo se comprometieron y donaron obras los escultores39 más vanguardistas del momento. Gallardo pertenece a la generación de Millares, Chirino, Hidalgo, pero él ya había viajado en 1948 a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Realizó su primera exposición individual de escultura y dibujo en la Galería Wiot en 1950. Regresó a Canarias en 1952, entablando amistad con Felo Monzón, Manolo Millares y Martín Chirino; contactos que lo dirigen a experimentar con la escultura abstracta. Volverá a Madrid de forma intermitente hasta instalarse en los ochenta de forma definitiva. Participa activamente en el escenario artístico madrileño y entre sus exposiciones la memorable colectiva En 3 dimensiones, en la Fundación la Caixa, en 1984. Implicado en el proyecto de museo de Leganés,ste exhibe una grandiosa obra en piedra caliza de Colmenar de Oreja: El gigante del bosque (1985). En esta obra reaparece, después de la serie Magmas que realizara en 1979, la figura humana compuesta por grandes bloques de piedra unidos entre sí, trabajados de forma muy tosca y primitiva. Al margen de Leganés, otra pieza de escultura pública de Tony Gallardo, que estuvo en los jardines de la Universidad Complutense, Volumen engendrado III (1980), pertenece a la serie de "Cortes de lava", de estilo abstracto aunque pervive el uso de piedra volcánica.40 Estas obras están documentadas en la website del artista (tonygallardo.com/).

El Museo de Escultura al Aire Libre de Leganés se va consolidando con la adquisición de nuevas obras, piezas significativas de las mejores figuras españolas, de Victorio Macho, Emiliano Barral, Pablo Serrano, Francisco Leiro, José Hernández, José Luís Sánchez, Agustín Ibarrola, Wenceslao Jiménez, Juan Asensio, Carlos G. Muela y, entre otros, del canario Juan Bordes Caballero (Las Palmas de Gran Canaria, 1948) como la titulada Fuente de LE-GA-NÉS (1997), en la Avda. de Fuenlabrada, y Adán y Eva (1986), ambas en bronce. Sin perder la figura humana como referencia (entera o mutilada, bella o deforme)41 estas esculturas exhiben un realismo a veces erótico, también deforme irónico y expresionista, un estilo visible en las cabezas y cuerpos que se exhiben en Museo Leganés.

Juan Bordes tiene una larga trayectoria formativa y profesional en Madrid desde que se instaló en 1963 para estudiar arquitectura y que ha culminado con su nombramiento en el 2006 como Académico42 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con el discurso La infancia del artista o las Fuentes del Nilo. Actualmente es Delegado de la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Concluye su formación en 1972 y en 1976 ya se inicia en la docente43 en ETSAM (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid).43 Sería importante señalar algunos de los espacios de Madrid en donde expuso en los años setenta a noventa: Galerías Seiquer y Vandrés, Galería Fernando Vijande, Galería Estampa. El taller: Teatro de Operaciones, en 2003, en el Centro Cultural Conde Duque (Caja Suiza), su taller, el del artista, lugar de trabajo, de reflexión y campo de batalla; y un largo etc. Además de sus escritos y comisariado de exposiciones (http://www.juanbordes.com/). Aparte los proyectos de escultura monumental citados de Leganés, se exhiben en Madrid entre otros44: El Bautista o el Orador (1989-1990), bronce, en la estación ferroviaria de Atocha; El hombre Vitruviano (1995) en la Plaza de la Remonta.

En el año 2000, el Ayuntamiento de Leganés con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acuerdan trasladar, en calidad de depósito, al Museo de Leganés parte de las esculturas monumentales que aún quedaban45 en los antiguos jardines del Museo Español de Arte Contemporáneo en Madrid (MEAC). Entre ellas la pieza de Martín Chirino Mediterránea III (1971, acero inoxidable, 180 x 425 x 110 cm.) con fecha de depósito en Leganés 2000-2001. La obra está en la misma línea que otra Mediterránea (1972, acero pintada al duco, 150 x 370 x 50 cm), en la fuente que se sitúa a un extremo y debajo del puente del Paseo de la Castellana, Museo Arte Público de la Castellana. La pieza de Chirino cobra sentido en relación con el conjunto de las esculturas que allí se exhiben: la representación plástica de los distintos elementos de la naturaleza. Formas curvas que se extienden en horizontal y que se corresponden con el movimiento ondulante del agua, evocan el mar, la luz del Mediterráneo (Grecia).

A este conjunto han seguido sumándose nuevas piezas adquiridas por el Ayuntamiento de Leganés, o depositadas por otras instituciones como la pieza de Chirino, Arco (2004), que pertenece a la Comunidad de Madrid. La obra en hierro forjado y pavonado en negro, está formada por espirales y pertenece formalmente al tipo que el artista canario denomina Viento, aunque aquí, con sus 11 metros de largo por 5 de alto, se expande ocupando el espacio ajardinado de alrededor. Un ejemplo de desarrollo del aeróvoro es la escultura de 8000 cm. de alto, Mirada del Horizonte II (2006), de acero corten, que ocupa la explanada del Cuartel General del Ejército, Plaza de la Moncloa. Esta obra en forma de monolito mantiene un diálogo con otras esculturas presentes en la misma plaza, entre lo estético y lo metafórico, entre modernidad y tradición, (Arroyo, 2012: 236).

En el espacio del Museo de Leganés no solo se exhibe un panorama de la evolución de la escultura contemporánea española que recoge la evolución estilística –academicismo, el realismo, el expresionismo, los inicios de la abstracción, la escultura conceptual o la nueva figuración– sino que ha servido de incentivo para el turismo cultural de la zona. A partir del museo se han originado multitud de publicaciones, como el libro de los autores José Marín Medina y Carmen Fernández Pacheco (2005), conferencias, jornadas de debate sobre la escultura pública, visitas guiadas, teatro, performances.

Los artistas canarios se ha manifestado entre la expresión y la demanda de lo propio –Regionalismo, Indigenismo y en los años setenta el Manifiesto del Hierro, cuyos firmantes demandaban un nivel de concienciación de un arte canario y reclamaban los orígenes autochtones de su cultura–, y la búsqueda de un lenguaje plástico universal. Es inevitable que se haya mantenido el nexo con lo regional, pero también el tiempo y las circunstancias va diluyendo su protagonismo y se va enriqueciendo o modelando con las nuevas experiencias y contactos. Por otra parte, se trata de un fenómeno que ha dominado en buena medida y casi siempre el ámbito del arte moderno. No quiero dejar de nombrar a otros artistas con residencia fugaz o permanente en Madrid, como Plácido Fleitas, Antonio Padrón, Francisco Borges Salas, Juan Ismael González Mora, Manuel Bethencourt, Juan Betancor, Manolo Padorno, Rafael Monagas, Pepa Izquierdo, Luis Alberto Hernández, José Luis Fajardo, Andrés Jesús Delgado y un largo etc.